La directora de El Caballero de los Siete Reinos reflexiona sobre el tono íntimo, el humor oscuro y los desafíos de contar una historia propia dentro del universo de Juego de Tronos, a puertas del estreno de la segunda temporada, este 18 de enero por HBO Max.
Con su segunda temporada próxima a estrenarse este 18 de enero por HBO Max, El Caballero de los Siete Reinos se perfila como la propuesta más íntima y humanista del universo de Juego de Tronos. En entrevista con Ciudadpe, la directora Sarah Adina Smith explica cómo la serie se distancia deliberadamente de las grandes épicas para apostar por una historia más contenida, atravesada por humor negro, ironía y una mirada profundamente humana. Desde la relación entre Dunk y Egg hasta las decisiones técnicas que privilegiaron lo práctico sobre los efectos digitales, Smith define a la producción como “el primo humilde y torpe” de la saga original, una historia consciente de sí misma que camina junto a sus personajes por un Westeros tan brutal como absurdamente cercano.
¿Cómo te uniste a El Caballero de los Siete Reinos como director?
Ya era fanático de Juego de Tronos, pero estos guiones eran realmente especiales y con un tono realmente sorprendente. Me pareció más una comedia existencial, casi en la tradición de Esperando a Godot. Hay algo un poco absurdo en la relación de este hombre con el universo, en la relación de Dunk con Poniente. Pero también está implícitamente en esta historia en una conversación con los dioses, hablando con el destino y el destino encogiéndose de hombros. También es muy diferente a lo que vemos en otras historias de Westeros. Sentí que estábamos caminando en los zapatos de este tipo y estando con él y su punto de vista con mucha más devoción que en otras historias de Westeros. Siempre llamaré a El Caballero de los Siete Reinos el primo humilde y torpe de Juego de Tronos. Esta historia tiene conciencia de sí misma; aunque nunca reduce lo que está en juego, al mismo tiempo tiene una visión ligeramente irónica de la vida.
¿Cuáles fueron los desafíos de hacer un nuevo espectáculo en un universo establecido?
Lo que más me preocupaba era que, debido a las expectativas de la audiencia, nos sintiéramos presionados para hacerlo más parecido a los otros dos programas. Lo más importante para mí era que siempre fuera algo propio. El hecho de que se tratara de una producción más pequeña significó que sentimos un poco más de libertad para poder hacerlo. Los otros dos programas hacen un gran trabajo para nosotros porque las audiencias que los han visto aportan mucho contexto al ver este programa. Todos los que están familiarizados con esos programas saben que Westeros es brutal y despiadado y que, en cierto modo, la narración ya está hecha. Nos da la capacidad de abordar nuestra historia de manera más simple, desde un punto de vista más fundamentado y humanista, simplemente caminando con este humilde personaje a través de ese mundo más grande.
¿Qué importancia tuvo la elección de Dunk y Egg para el éxito de la historia?
Al final del día, la relación entre Dunk y Egg es la que nos importa. Entonces, obviamente era crucial encontrar actores que pudieran interpretar esos dos roles, pero aún más importante, actores que estuvieran comprometidos a encontrar esa relación entre ellos. Dexter y Peter son ambos actores brillantes y aportan mucho humor y especificidad a sus papeles. Creo que lo que es tan divertido de ver es que Dexter es un niño diminuto, mientras que Peter es un espécimen enorme… y, sin embargo, Egg puede ser completamente dominante en la conversación. Dexter no sólo puede defenderse ante cualquier adulto, sino que también puede superarlo. Entonces, hay algo que ya resulta realmente adictivo de ver en ellos dos. Y luego encontraron una manera de cuidarse unos a otros, tanto como personas como actores en el set y como personajes. Sentí que formaban un vínculo y un compromiso tan verdadero, casi familiar.
¿Cómo decidiste contar esta historia, en términos técnicos?
Ira [Parker] y George [RR Martin] estaban muy interesados en evitar grandes efectos visuales en este programa. Queríamos mantener los pies en la tierra, incluso con la cámara en el suelo la mayor parte del tiempo y otra vez, esa es una manera de ayudar a diferenciar esta serie de las demás. Intentábamos contar una historia pequeña y humilde. Quiero decir, toda esta temporada tiene lugar en Ashford, que, sinceramente, es como (disculpe) una ciudad de mierda en Westeros que a nadie realmente le importa. Los Targaryen ni siquiera quieren ir a este torneo, pero están allí por razones políticas porque el poder de los Targaryen está empezando a menguar y se dan cuenta de que necesitan conseguir algo de amor por los Targaryen entre la gente. Así que intentamos aceptar el hecho de que se trata de una historia más pequeña y contenida y utilizamos reglas de diseño para ayudar a hacer cumplir eso.
Eso significó no permitirnos el lujo de enormes extensiones de escenario y un alcance loco. Creo que el mejor ejemplo de eso es que construimos una marioneta de dragón absolutamente impresionante y detallada que se usó en un espectáculo de marionetas de la serie… en lugar de hacer la versión de Juego de Tronos donde estamos construyendo un dragón "real" en VFX. ¡Hicimos una marioneta de dragón real para el espectáculo!
¿Cómo te pareció el rodaje en Irlanda del Norte?
Mi primer día de rodaje oficial fue una lluvia verdaderamente torrencial, caminar penosamente por el barro, un frío helador… y, aun así, fue muy divertido. Esa fue mi primera vez ese día, así que simplemente asumí: "Oh, tal vez sea así todos los días". Pero después de eso, me di cuenta de que podíamos filmar en cualquier clima. Podríamos resolver esto. Lo más difícil del clima no era que estuviera muy, súper húmedo y físicamente agotador, sino que el clima cambiaba todo el tiempo en Belfast. Así que estarías filmando durante una hora bajo una lluvia torrencial y luego saldría el sol. Entonces sería un verdadero enigma cómo vas a combinar eso, darte la vuelta y filmar el resto de esa escena. Nuestra filosofía era seguir disparando siempre: lo haremos funcionar.
¿Cómo fue trabajar con tantos caballos?
Una de las razones por las que me entusiasmó aceptar el trabajo es que nunca había disparado con caballos. Tuve que coger velocidad bastante rápido y rápidamente descubres qué es un dolor de cabeza y qué no cuando se dispara con caballos. Tuve mucha suerte de tener a The Devil's Horsemen como nuestros expertos en caballos y fueron increíbles al ayudarme a comprender las mejores prácticas. Desde entonces, me ha gustado mucho disparar con caballos. Acabo de terminar un piloto para Little House on the Prairie que tenía un montón de caballos y ayer presenté una película donde todo se desarrolla en dos caballos. Así que siento que de alguna manera estoy en mi viaje a caballo.
¿Cómo equilibraste los elementos de comedia del programa con los riesgos de vida o muerte?
Bueno, como dijo astutamente Ira [Parker] , la regla general era que lo que está en juego es real y tú interpretas el drama, pero nunca puedes tomarte a ti mismo demasiado en serio durante demasiado tiempo. Siempre quisimos socavarlo con humor, incluso en sus momentos más oscuros. Es un humor negro, por lo que aún encaja en el mundo. Además, creo que también hay humor negro en los otros dos programas, ciertamente en el Juego de Tronos original y en los escritos de George. Lo estamos sacando a relucir aún más.
